viernes, 9 de diciembre de 2016

Mapa conceptual

 

¿QUÉ ES EL GRAFFITI?


Se llama graffiti o pintada (del italiano graffiti o del inglés graff) a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre propiedades públicas o privadas ajenas (como paredes, vehículos, puertas y mobiliario urbano) que puede contener texto o una imagen y que intenta transmitir un mensaje determinado. Los graffitis han existido como medio de comunicación de posturas políticas o como forma de expresión urbana y anónima que carece de mayor trascendencia. En muchos casos pueden ser considerados actos de vandalismo en la medida en que arruinan paredes de uso privado o público; en otros casos pasan inadvertidos por la poca relevancia del lugar en donde fueron realizados. Lo cierto es que los graffitis son un fenómeno propio de los últimos cien años, no porque antes hayan sido inexistentes, sino porque fue en la última centuria que tuvieron un mayor grado de producción.

Los grafitis funcionan como válvula de escape que manifiestan algunas voces que se encuentran reprimidas en el interior de una sociedad temerosa. En efecto, gracias a su carácter anónimo y al hecho de realizarse en la vía pública, lugar en donde mucha gente puede verlo, un graffiti es el medio perfecto para dar una visión crítica de un determinado gobierno de estas características.

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar; buscando ser un atractivo visual de alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde.  Forma parte del arte urbano y es uno de los cuatro elementos que conforma la cultura Hip Hop


Origen de la palabra graffiti



descarga.jpg



La palabra graffiti proviene del término italiano “sgraffiti” que significa dibujo o garabato sobre pared (o superficie plana), así llaman también arqueólogos y epigrafistas a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio romano, y del griego “graphein” que significa escribir, que genera un préstamo al latín con la forma grabare. Los grafitos en la vía pública son cosa corriente en el mundo de la antigüedad grecorromana. Los hay en la Grecia antigua, pero sobre todo son muy conocidos los de Pompeya (la ciudad romana cubierta por la ceniza del volcán Vesubio), allí puedes ver aún grafitos callejeros de 2000 años de antigüedad. Esto evolucionó en la palabra latina graffito. Graffiti es la forma plural de graffito, que significa “marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro”.

¿Cómo surgió?


Las primeras muestras de pintura mural se remontan a la época prehistórica, pero la historia de la modalidad de graffiti característica del metro de Nueva York se inicia, según el parecer general, a finales de los años 60, cuando un jóven de Washington Heights llamado Demetrius empezó a escribir su apodo, Taki, y el número de su calle, 183, en las paredes, en las marquesinas de los autobuses, en lugares públicos y, sobre todo, en las estaciones del metro de todo Manhattan.

El término graffiti es de procedencia italiana, su plural es graffiti, no graffitis, en español se diría grafitos (letrero o dibujo trazado o garabateado en paredes y otras superficies de carácter popular y ocasional).


Ya los romanos pintaban las paredes con protestas por un incontenible deseo de compartirlas con sus ciudadanos, pero esto no es todo, ya que sabemos que tiene antecedentes más remotos en el tiempo, escribir sobre los muros es un impulso tan antiguo como los indicios de racionalidad del ser humano. Las representaciones de animales, de escenas de caza, etc., no tenían otro objetivo que el de satisfacer uno de los más ancestrales instintos del hombre: comunicarse.

images.jpg

Hasta el siglo XIV la pared ha sido uno de los principales soportes de la producción artística. Sin embargo, en la actualidad, éste no es un espacio creativo libre, sino un espacio clausurado por el poder que históricamente se ha reservado su usufructo. Tanto es así que este fenómeno espontáneo ha llegado a interpretarse como una amenaza, una transgresión. Podría decirse que la ley ha prohibido el libre acceso al mayor lienzo del mundo y, precisamente por eso, éste se ha llenado de trazos incontrolables, extendiéndose a todo tipo de superficies. El muro y sus extensiones metonímicas (puertas, mobiliario urbano, vagones, autobuses…) pasan a ser el soporte de lo que venimos hablando: el graffiti.

Es concretamente a finales de los sesenta cuando los concienciados activistas políticos y los no tan concienciados miembros de las gangs (las bandas callejeras) retoman este antiguo método de comunicación de escribir en los muros: los primeros para hacer públicas sus protestas y los segundos para delimitar su territorio.

Poco después en la ciudad norteamericana de Philadelphia el bombing (bombardear, acto de pintar el nombre por todas partes) sienta los primeros antecedentes del graffiti tal y como hoy lo conocemos: Bombardeo de jóvenes artistas de las paredes de la ciudad con su nombre o apodo con la finalidad de llamar la atención de la sociedad y de los medios. Pronto esto evolucionó y se trasladó a la parte sur del barrio neoyorkino del Bronx (SouthBronx), donde el arte del writing (escribir en paredes y vagones) toma la morfología definitiva de diálogo con la sociedad en general. Va a ser ahí, en Nueva York, donde se desarrolle plenamente esta cultura y evolucione hasta donde hoy la conocemos.

Desde las primeras firmas sencillas sin gusto de Taki 183, pasando por una serie de estilos en las siguientes generaciones de escritores, los “tags” evolucionaron de manera considerable pasando por formas como las “bubble letters”, las “block letters” y llegando hasta estilos tan complejos como el “wild style”. Desde la época de apogeo inicial, la primera crisis, el posterior resurgimiento y su consolidamiento final, el graffiti pasa por varias etapas en las que tanto factores externos, como la propia actitud de sus integrantes jugarán un papel fundamental en el carácter del movimiento en cada lugar y momento determinados.

A finales de los sesenta los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban pseudónimos, creandose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para sus amigos o incluso para sus enemigos.

Lo que principalmente comenzó en las paredes de Nueva York como unos simples garabatos, pasaría a los vagones del metropolitano de la misma ciudad y será allí donde se desarrolle realmente lo que hoy conocemos como graffiti.

Se podría denominar como un factor común en todos los escritores del metro el concepto de competición que existía por la búsqueda de captar la atención de los usuarios del metropolitano así como de los escritores rivales. Esto les llevó a desarrollar nuevos recursos que intentarán impresionar por su originalidad o por su cantidad para resaltar sobre el resto. De esta manera, el graffiti evolucionaría de manera inconsciente en poco tiempo. Tal fue el grado de intervención del graffiti en los vagones que hoy nadie puede relatar la historia del metro neoyorkino sin dedicar un capítulo a sus pintadas.

Y así fue como el graffiti comenzará a pasar por varias etapa como: etapa de gestación, etapa de guerra de estilos, etapa de supervivencia...


Materiales

Los materiales más habituales en la realización de un graffiti son los siguientes;

-Sprays.
- Boquillas (de los sprays) o difusores.
- Mascarilla.
- Rotuladores de tinta/témpera.
- Pintura de imprimación.
- Rodillo.
- Brochas.
- Cinta de carrocero.
- Folios.
- Papel higiénico.
- Escalera.
- Ropa adecuada.
-Máscara-


En un principio para hacer graffiti valía cualquier cosa. Por ejemplo, en el Nueva York antiguo, Pray utilizaba una llave con la que rasgaba su nombre en los metales pintados (más tarde se descubriría que Pray era una venerable anciana que se dedicaba a poner su nombre al más puro estilo writer).

Los primeros rotuladores eran de un tamaño pequeño, el tradicional Edding 2000 de unos pocos milímetros de grosor y punta redonda es un buen ejemplo hasta que se instaló con éxito el Pilot de punta cuadrada de 1x1 cm. Fue muy utilizado por los escritores. Algunos querían ir más allá e incluso se fabricaban sus propios rotuladores utilizando envases de pegamento con sistema de muelle, botes de pegamento de barra vaciados y con una punta casera acoplada. Generalmente se usaba la esponja de los borradores de las pizarras del colegio (eso sí, sin estrenar, puesto que si estuvieran usados, las partículas de tiza podrían obstruir el paso de la tinta). Incluso se llegaban a rellenar recipientes de Canfort para zapatos. El repuesto preferido solía ser laca de bombilla, un material bastante económico y viable además de disponer varios colores. El inconveniente es su poca resistencia al sol, dejando los tags prácticamente invisibles después de varios días.

Con el tiempo los rotuladores caseros han dado paso a otros más sofisticados. Aparte de rotuladores de tinta aparecen rotuladores de témpera, con lo que ahora, aparte de haber más colores, los que hay son cubrientes, es decir, existen colores claros aptos para escribir en superficies oscuras, lo que hizo que se ampliasen el número de superficies susceptibles de ser atacadas. Generalmente se los llama Posca, debido a que la marca más extendida se llama así. Llevan un sistema de muelle y bola mezcladora debido a que los materiales que contiene son más espesos que la tinta y hay que asegurar la fluidez.
No sólo varió la tinta sino también el grosor de los rotuladores. Desde el camaleón de 1,5x1 cm de punta, pasando por el 20mm de 2x1cm y llegando hasta un linterna de 3x1cm, lo que da más vistosidad y mayor tamaño a las firmas. Pero la escala sigue subiendo y nos encontramos con el Ultra Wide o espátula, que aumenta el ancho a 4cm (aunque es más fino y más estrecho, de ahí el nombre de espátula y que parezca un desodorante). Haze, un viejo escritor noyorkino, se especializó en su uso. Por si esto fuera poco el último invento del mercado ha desencadenado en el Biggie, llevando la punta a un grosor de 5x1cm, casi el doble que la revolucionaria linterna. Desde el punto de vista comercial la cosa acaba aquí, pero en ansia de los escritores en su búsqueda del “todavía más” les lleva a sacarse a la calle una esponja y humedecerla con tinta. El resultado es de imaginar: Trazos tan grandes como el tamaño de la esponja. Y, sin duda, el último grito: Derramar directamente la tinta del bote sobre la superficie ¿Es este el grado extremo? No, por si fuera poco ya no basta con el tamaño o la cantidad de tinta derramada sino que ahora se busca que ésta sea indeleble. Hacia el 98 nos llega desde Italia la temeraria tinta Inferno originaria para tintar zapatos y pieles que pasa a sustituir a la tradicional Industrial (más negra pero más fácil de eliminar) que hasta el momento se había estado usando en España. Los escritores cargan sus rotuladores con esta tinta, cuya principal característica es la de su poder de penetración en los poros de las superficies más pulidas, haciendo en algunos casos imposible la eliminación total de la pintada, tornando su original color negro en un gris de un tono bastante oscuro después de un duro frotado incluso con los más fuertes disolventes. No contentos con el ya debastador poder de la tinta milanesa, los escritores le añaden “pluses” a la sustancia, como por ejemplo el aceite negro residual de los motores de coche, o una especie de bolas que se desacen convirtiéndose en un polvo negro que fomenta el agarre de la tinta a la superficie. Todo ésto, especialmente la tinta Inferno, trae de cabeza, por un lado a los dueños de los comercios que demandan una solución al problema, y por otro pone en jaque a las autoridades, una vez más

La técnica por excelencia del graffiti es el sprays o aerosoles. Las razones son su convencionalismo, sus abundantes colores ya mezclados, su relativa limpieza, su fácil uso...Los genuinos Krylon, los Rust-Oleum o los Red-Devil son los más destacados entre muchos otros (Lucas, Broma, Utilac, etc).

En cuanto a los difusores (boquillas) nos encontramos con varios tipos;

En la antigüedad, para hacer determinados trazos, había que experimentar, se trata de la época en la que no existían los botes Montana y se pintaba con los que se podían comprar  en los grandes almacenes, esos botes sólo tenían una boquilla y si se quería alterar el trazo había que agrandar con una aguja la boquilla para conseguir un trazo más grande o pegar una aguja a la boquilla para conseguir un trazo más pequeño,  utilizar todas las que se pudieran encontrar en otros tipos de sprays , o pintar con el bote del revés para conseguir unos trazos más finos.


Los Caps, Valvulas, boquillas, difusores o Picos, son el dispositivo superior de los aerosoles, por el cual sale su contenido, en nuestro caso del Graffiti… la pintura.Hay una gran variedad de Caps para Aerosoles, cada uno con sus cualidades y diferentes trazos, ahora paso a explicarselos y pueden verlos también dando un click a la imagen:
maxresdefault.jpg
Super Skinny Cap. Este Cap se diferencia del resto en la entrada de pintura y el agujero ya que son muy pequeños. Hay que presionar muy poco el Super Skinny Cap para obtener buenos resultados.
Skinny Banana. Es el Cap basico, de trazo fino y limpio. El Skinny Banana es ideal para Montana Hardcore ya que proporciona una gran versatilidad y duracion.

Universal Cap. Es el Cap que funciona en todos los Aerosoles Montana Colors. Su perfecto diseño hacen de este Capalgo indispensable para trazos gruesos y rellenos rapidos.

Normal Cap. Este pico de aerosol no es el mejor para el Graffiti. Su diseño esta desarrollado para esparcir una capa fina y uniforme de pintura. El Normal Cap es perfecto para pintar muebles y objetos.

Pocket Cap. Esta Valvula de los Pocket esta pensada para soportar mucha presion, cuando la usas en un Hardcore o un 2G, podes sacar trazos mas finos y agiles que lo normal.

Skinny Pro. Esta es la boquilla diseñada para Alien, muy comoda y versatil. El Skinny Pro nos da lineas finas en el Alien y medianas en el Hardcore.

Soft. Gran adherencia de la pintura, rapidez y limpieza, son las virtudes de este cap.

Needle Cap. El diseño de este cap hace que la pintura salga proyectada a más distancia, consiguiendo pintar mas de lejos.

Fat Cap Pink. El Fat Cap mas popular es el rosa. Limpio, rapido y no gasta mucha pintura.

Transversal. Este pico permite usar el aerosol como si fuera una pluma estilográfica. Moviendo la parte negra del CapTransversal podes cambiar la dirección del trazo. El pico transversal es ideal para los tags.

Super Fat Cap. Este es el Cap mas ancho de Montana Colors, siendo especial para rellenos rápidos y difuminados, de limpieza media.

Rusto Fat Cap. El nombre de esta válvula proviene de la marca de aerosoles de USA, Rust Oleum, tiene un trazo grueso medio un tanto irregular.

Astro Fat Cap. El transparente es un difusor muy potente que permite realizar lineas muy anchas y limpias. Lastima que el Astro Fat Cap nos vacie la lata en un minuto…

NY Skinny Cap. Es el hermano menor del New York Fat Cap, nombrado en honor al lugar de nacimiento del Graffiti. El NY Skinny suelta una linea media con bastante fuerza.

NY Fat Cap. Un poco mas limpio que el Rusto Fat Cap pero de la misma familia. Este tipo de caps mas pequeños (y para muchos mas incomodos) fueron reemplazados por los caps mas grandes (y comodos). Sin embargo muchos prefieren aun al tacto estos Caps “boton”.

sabotaz_caps.jpg

En cuanto a los difusores nos encontramos con dos tipos de boquillas o caps: Macho y hembra.

Las boquillas macho, en la parte inferior tienen un tubito que entra en la válvula del bote hembra. Las segundas al contrario, tienen en la parte inferior un hueco en el que entra el tubo del bote macho. A su vez las boquillas, independientemente de que sean macho o hembra, tienen diferentes características en cuanto al tipo de trazo que realicen (finos o gruesos, limpios o difusos, redondos o direccionables...). Por tanto, nos encontramos con los Fat cap (boquillas de trazo grueso) que sueltan más cantidad de pintura, son capaces de hacer un trazo con un grosor de 20 centímetros, por lo que son idóneos para rellenar grandes superficies. Por otro lado están los Skinny cap (boquillas de trazo fino) que sueltan menos cantidad de pintura permitiendo trazos de varios milímetros, ideales para detalles.

La pintura de imprimación hace referencia a la capa de pintura lisa que se le da a la pared para que la pintura con la que queremos pintar, agarre bien en la pared.

Otros materiales a utilizar pueden ser los rayadores (piedras o bujías) para cristales, destornilladores para chapas, rodillo y brochas con pintura plástica, ácidos que corroen el cristal de manera permanente o incluso tizas, velas... Llegando hasta la más tolerante de las nuevas tendencias: Las pegatinas, carteles y demás intervenciones urbana s que veremos con detalle más adelante.

La máscara.

Es recomendable que la máscara cubra nariz y boca y debe tener al menos 2 filtros. El filtro externo se llama “Filtro para polvo” y normalmente consiste en un filtro formado de papel cubierto de plástico. Los filtros externos evitan que inhales las partículas que contiene el vapor de la pintura. El filtro interno es un “Filtro de gas” y normalmente consiste en una sustancia con base de carbón envuelto en metal. Éste es el filtro que detiene el gas y los vapores en su totalidad.



Ambos filtros pueden insertarse o atornillarse en una máscara. Casi todas las máscaras están hechas de látex, plástico o goma elástica y pueden ajustarse de tal manera que no dejen pasar el aire más que por medio de los filtros. Esto puede regularse por medio de una válvula que tiene la máscara.



Los filtros pueden limpiar el aire que respiras continuamente así que cuando no uses tu máscara, guárdala en un lugar limpio y cerrado.



Si empiezas a oler o probar un sabor a pintura a través de la máscara es tiempo de cambiar los filtros. Generalmente depende de cuánto pintes, cámbialos una vez al año de preferencia.



Existen otros tipos de máscaras más baratas pero solo detienen partículas del gas y no el vapor, de todas maneras eso es mejor que no traer nada, aunque no es suficiente.










Pionero en el graffiti

Taki 183  


TAKI 183 fue uno de los escritores de graffiti más influyentes de su historia. Su "etiqueta" era cortocircuito para Dimitraki, una alternativa griega para su nombre de nacimiento Dimitrios, y el número 183 vino de su dirección en la calle 183 en las alturas de Washington. Trabajó como un mensajero de pie en la ciudad de Nueva York y escribiría su apodo alrededor de las calles de la ciudad de Nueva York que él frecuentó durante los últimos años 60 y los años 70 tempranos.

El 21 de julio de 1971, The New York Times publicó un artículo sobre él en la portada de su sección interna titulada "Taki 183" Spawns Pen Pals. [2] TAKI 183 estimuló el etiquetado competitivo en Nueva York, ya que su etiqueta fue imitada por cientos de jóvenes en los cinco condados. Los niños que obtuvieron sus nombres más y que desarrolló etiquetas de firma se hizo conocido en sus comunidades. El graffiti se convirtió en una manera para muchos niños pequeños de tratar de llamar la atención y la atención que recibió TAKI 183 estimuló esto.

Aunque TAKI 183 fue el primero en ser exhibido en una publicación se dice que Julio 204 comenzó a escribir su etiqueta en NYC primero. Sin embargo, Julio no escribió fuera de su propio vecindario de Inwood en Manhattan, y esta es sin duda la razón por la que nunca recibió la atención de los medios de comunicación TAKI hizo.

TAKI fue el último conocido por ser el dueño de un taller de reparación de automóviles en el extranjero. En una entrevista con el New York Daily News del 9 de abril de 1989, habló sobre su retiro como escritor de graffiti: "Tan pronto como entré en algo más productivo en mi vida, me detuve. , Compré una casa, tuve un niño, no compré una camioneta, pero yo crecí, se podría decir eso ".

La etiqueta de graffiti en la película Turk 182 de 1985 fue inspirada por TAKI 183.

En mayo de 2009, se lanzó el sitio oficial TAKI 183. El sitio incluye fotos de su trabajo, imágenes de sus amigos y contemporáneos, su historia verdadera y TAKI 183 impresiones de edición limitada oficiales.

El ejemplo más significativo y a la vez el más conocido por todos sea el de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad de 17 años comenzó a poner su apodo. Su verdadero nombre era Demetrius (de ahí el diminutivo “Taki”) y 183 era la calle donde vivía (poner el nombre de la calle fue un elemento usado por muchos más escritores). Taki trabajaba como mensajero y viajaba constantemente en el metro de un lado a otro de la ciudad. En el trayecto estampaba su tag (firma) en todos los lados, dentro y fuera del vagón. El no lo consideraba como algo malo, de hecho respondía así a las preguntas que le formularon en una entrevista en el New York Times: “Simplemente es algo que tengo que hacer. Trabajo, pago mis impuestos y no hago daño a nadie”. Estos actos le convirtieron en un héroe y poco después cientos de jóvenes empezaron a imitarle.

Algunos de los escritores también destacados de aquella época fueron: Frank 207, Chew 127, Julio 204, Bárbara 62... En principio no buscaban estilo, sólo querían aparecer por todos los lados.



Callejeros con arte

Bansky

Paul Horner es un británico de unos 40 años del cual se sabe realmente poco, considerando la fama mundial que tiene, para reforzar ese punto podemos decir  que ni siquiera se sabe si Paul Horner es su nombre real.

El 12 de julio de 2008 el periódico Mail on Sunday anunció haber descubierto su identidad, identificándolo como Robin Gunningham, hecho que él siempre ha negado. Según otros medios, su nombre real podría ser Robert Banks o Robin Banks.

Nacido en Liverpool y conocido en todo el planeta simplemente como Banksy, se cree que sus comienzos se dieron a principios de la década de los noventa en su Bristol natal. Sus trabajos son conocidos por su elevado contenido político y por una alta carga de ironía.

Banksy comenzó pintando ratas que llenaron las calles de Bristol, las cuales servían como instrumento a sus críticas burlonas hacia el sistema. Influido, entre otros, por la banda de punk Crass, y por el movimiento Ad Jammmers, basado en deformar imágenes publicitarias y transformar así el mensaje original de las mismas, su obra ha buscado siempre la crítica social y moral, de forma irónica y satírica, utilizando la escritura, la técnica del stencil (estarcido) y el grafiti.

Banksy pasó pintando las calles de Bristol con esas ratas que fotografiaban a los viandantes a otras imágenes que continuaron criticando las hipocresías sociales y que aparecían en buzones de correos, en alcantarillas, en portones. Su creación Desnudo todavía puede verse en el muro de la clínica de Park Street dedicada a enfermedades sexuales. Pero no fue la única. Toda una serie de pintadas decoraron los muros de Bristol primero y de Londres después. Creaciones tan conocidas como los policías que se besan, la Monalisa con el bazuca o los indígenas perseguidos por un carrito del super.
Más tarde Banksy, con la ayuda de Steve Lazarides, un antiguo fotógrafo que había documentado las primeras hazañas de Banksy durante su juventud y con quien compartía la tarea de gestionar el portal en Internet, consiguió  los famosos stunts (actos-atentado) que consistían en colarse en los museos más famosos del mundo y plantar sus obras de forma clandestina, como sucedió en el Museo de Historia Natural de Londres donde colocó una rata disecada y pegada a un cartel. Pero esto no fue todo. En el Museo Británico consiguió colocar una pieza de aparente arte rupestre que incluía un carrito de supermercado en una escena de caza. En el MOMA de Nueva York incluyó el retrato de una mujer de época que llevaba una máscara anti-gas.
Su trabajo trascendió al exponerse en cuatro museos neoyorquinos (Metropolitan, Brooklyn, Historia Natural y Arte Moderno), donde instaló sus creaciones de forma clandestina y también cuando se comenzaron a ver sus obras en varias ciudades importantes del mundo como Melbourne, París, Nueva York, etc.
Durante su gira por Nueva York, Banksy realizó una exposición ilegal llamada Better out than in  (Mejor fuera que dentro) en la que cada día creaba una obra diferente en las calles de la ciudad. El propio artista tuiteaba: «Deseando mancharme las manos esta noche». Y de hecho lo hizo, a través del grafiti, la escultura, incluso el video, pero todas ellas llenas del sarcasmo y el humor crítico que lo caracterizan.
En octubre de 2014 Banksy plasmó un nuevo mural, llamado Girl with a Pierced Eardrum (Chica con un tímpano perforado), una parodia del cuadro Girl with a Pearl Earring, de Johannes Vermeer, en la que cambió la joya por una alarma de seguridad de la fachada de un estudio de grabación, en Hanover Place, en Bristol. La obra tuvo bastante atención mediática, sobre todo porque se realizó en la ciudad donde creció el grafitero, poco después de que comenzara a correr un rumor de su supuesto arresto. A las 24 horas de su aparición, la obra fue manchada con pintura negra en un claro acto de vandalismo y crítica hacia Banksy. No sería la primera vez que sus trabajos sufrirían este tipo de daños; Su pieza Art Buff, en Kent, fue vandalizada con un enorme pene. Debido a la trascendencia que este artista ha logrado en los últimos tiempos, algunas de sus obras han sido protegidas con fibras de vinilo, lo que permite que puedan ser reparadas y restauradas con mayor facilidad.
En agosto de 2015 Banksy inaugura la instalación temporal Dismaland, a modo de parque temático, que realizó en colaboración con otros 58 artistas. Cuando la instalación cerró sus puertas, el equipo encargado de su montaje se trasladó al campo de refugiados de Calais donde construyeron varias viviendas temporales y un parque de juegos para los refugiados.
En diciembre del mismo año apareció un nuevo mural de Banksy, que muestra al fallecido Steve Jobs en el anteriormente citado campo de refugiados. La foto, que muestra a Jobs mochila al hombro y un ordenador Macintosh en su mano, tiene como título El hijo de un inmigrante de Siria y es una rotunda denuncia a las condiciones de los refugiados sirios en el infame campamento "La jungla” de la ciudad portuaria francesa.
Bansky tiene una fuente que muestra su trabajo. Ésta es:
- http://www.banksy.co.uk/
Fuente: Banksy. (2000). Stunts, Obras de formas clandestinas [Fotografía]. Recuperado de: http://www.alejandradeargos.com/plugins/content/jw_sigpro/jw_sigpro/includes/images/transp

Fuente: Banksy. (2007). Muro de la vergüenza [Fotografía]. Recuperado de: https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/236x/40/76/24/40762431a8f5ac06e1dc7a7d5bfb501e.jpg



Fuente: Banksy. (2015). El hijo de un inmigrante de Siria [Fotografía]. Recuperado de: http://www.banksy.co.uk/img/outdoorimg/jobs_01-8.jpg

Blu

Es el pseudónimo artista Italiano, que ha decidido permanecer en el anonimato. Lo poco que se sabe sobre su identidad es que vive o vivió en Bolonia, Italia y que participa en la escena del arte urbano desde 1999. Comenzó pintando en su Bolonia natal hace algo más de diez años. El gran formato de sus obras y un estilo pictórico de lo más particular han hecho de Blu uno de los artistas italianos actual más exportable y de los más admirados fuera de sus fronteras. Su trayectoria lo fue llevando por distintas ciudades como Bogotá, Lima, Lisboa y Madrid entre otras.

Su fama empieza cuando decide grafitear las paredes del casco histórico de su ciudad. En sus inicios, su técnica se limita al uso de sprays, pero al poco tiempo empieza a experimentar con pinturas de pared y rodillos para poder aumentar la superficie pintada en sus obras. Es en este momento cuando empieza a crear sus características y enormes figuras humanas y colabora con varios artistas urbanos como DEM, SWEZA, RUN y ERICAILCANE.

A raíz de ese momento, algunas galerías reconocen su arte y empiezan a invitarlo a formar parte de sus intervenciones colectivas. Blu prefiere alejarse del mundo del arte oficial y mostrar su arte en otros territorios.

Una de sus primeras obras reconocida fue: “Banana Man”, un mural pintado en el festival de “Murales de Octubre” de 2005 en Managua, que reivindica los derechos de los trabajadores de las plantaciones de bananas.

En 2008 alcanza Blu alcanza su mayor éxito con la animación,y es a la que dedica todo su tiempo. La creación de Muto (Silencio), un vídeo de ilustración aplicada a la animación en formato de stop motion, trata de una serie de pinturas murales realizadas en las calles de Buenos Aires donde fota a fotoa logra crear una animación de más de siete minutos. Blue ha recibido numerosos premios por esta animación, gracias a ésto empieza su gira por América del Sur donde hace encargos importantes en diferentes ciudades como: España, Nueva York, Inglaterra, Italia y Europa del Este.

Blu cuenta con una fuente de información. Ésta es:



Fuente: Blu. (2008). “Ugly”  Fame Festival, Grotaglie, Italia [Fotografía]. Recuperado de: https://einailustracion.files.wordpress.com/2013/05/ugly.jpg




Fuente: Blu. (2009). Berlín, Alemania [Fotografías]. Recuperado de: http://bigfenomeno.com/wp-content/uploads/2014/12/post_blu_berlin_deleted_3.jpg

Francisco Rodrigues da Silva
Es conocido como Nunca, artista brasileño que utiliza una técnica de graffiti para crear imágenes que confrontan el Brasil moderno y urbano con su pasado indígena. A pesar del reconocimiento internacional de su obra ha sido objeto de críticas en su país natal, todo esto cambió cuando participó en una exposición de arte urbano en la Galería Tate Modern de Londres, que dio lugar a una significativa reevaluación de su trabajo por su ciudad natal.

El reconocimiento de este género artístico por parte de la comunidad internacional, estimuló un debate público en su país, sobre lo que constituye el arte que dio lugar a la creación de un registro de arte callejero que ser conservada por la ciudad de São Paulo.



Dos de los grandes proyectos internacionales de Nunca, fueron en un castillo en Escocia y en el desierto del Arizona en los Estados Unidos de América.



En 2007 cuatro grafiteros brasileños fueron invitados por los hijos del dueño de un castillo escocés para grafitear las partes externa de la construcción con más de 800 años. El castillo que está en la ciudad de Kelburn fue pintado por Nunca, Gustavo y Otávio (“Os Gemeos”- Los gemelos) y Nina Pandolfo. La tarea era convertir el color ocre viejo del castillo en un graffiti gigante, ya que un antiguo dueño había aplicado yeso en las paredes externas cubriendo las piedras originales y el centro de preservación histórico del país pidió al dueño que sacase el yeso dejando las piedras originales visibles.

Fue en ese momento cuando los hijos decidieron dar una apariencia distinta antes de que sacasen el yeso y contrataron a los grafiteros brasileños, que por un mes hicieron este trabajo, pintando toda la parte externa del castillo con spray, dando así un estilo contemporáneo a la vieja construcción.

Pasado 5 años del evento, el dueño que al principio no aprobaba mucho la idea de los hijos, recurrió a la justicia para que no fuera sacado el yeso del castillo como había sido determinado, ya que el castillo siempre atrajo muchas turistas que llegaban de todas partes del mundo para apreciar la construcción, los jardines, el paisaje donde está localizado el castillo, pero una vez reformado el número de visitas aumentó de una manera increíble, convirtiendo al castillo en un ícono que está presente en muchas revistas de todo el mundo.








El segundo proyecto más grandioso de Nunca fue el “The Boneyard Project” hecho en Tucson, Arizona en 2012. Consistió en pintar en el medio del desierto, entre aviones de la Segunda Guerra Mundial, la parte de afuera de los aviones.

En esta pintada también participaron otras cuatro artistas, tres de Estados Unidos y uno de México, pintaron el fuselaje de los aviones que se encontraban en medio del desierto en un sitio mantenido en secreto hasta entonces, cerca de una base militar americana. Cada artista pintó un avión con total libertad utilizando su creatividad.

Para realizar este trabajo, el artista Nunca usó cerca de 800 sprays y presentó en los dibujos sus impresiones en torno a la ciudad donde se encontraba. La idea de este proyecto surgió de Eric Firestone, dueño de una galería de arte contemporáneo con el fin de traer de vuelta la vida a esos aviones con mucho color.














Con muros pintados y exposiciones individuales en las galerías de todo el mundo, Nunca es uno de los artistas brasileños contemporáneo más importantes de la actualidad, lo que hace con que los académicos conservadores del arte discuta el tema “graffiti”.

Cope 2

Cope2, de nombre real Fernando Carlo es un artista de graffiti de South Bronx, Nueva York. Especialmente reconocido por su veteranía en el graffiti de Nueva York, su uso del Wild Style y sus Throw ups. Su crew se llama el "kings Destroy".Dicen que su país natal es Puerto Rico, si lo es, sólo lo fue hasta los 3 años, cuando se trasladó a Bronx (Nueva York).

Entró en contacto con el mundo de los graffitis gracias a su primo Caos (Caos está considerado el mejor graffitero de todo el Bronx). Gracias a su primo entraron en WOW una de las muchas crews de Caos. Empezó en el graffiti con el nombre de "Nano". Pero la fama de Caos llegó a su fin cuando le metieron una porra por el culo y lo dejaron ciego. Gracias a ello Cope pudo dejar a su primo y este suceso llevó a Cope a ser  uno de los mejores graffiteros de la actualidad, aunque en una entrevista cope afirmó que él nunca podrá ser mejor que su maestro.



A lo largo de su carrera, Fernando tenía una pasión por el “bombardeo”. A principios de los años 80 eran los trenes del metro y por la década de 1990 su lienzo se convirtió en las calles. El Graffiti es una adicción en la que Fernando Carlo es un experto. “Cope 2”, fue prolífico, y uno de los taggers de Nueva York más importantes.

Cope2 ha alcanzado considerable éxito de la corriente principal para su obra de arte y ha colaborado y lanzado muchos proyectos junto a nombres como Adidas y la revista Time.

Algunas de las ilustraciones comerciales iniciales de Cope2 se han vendido en el bloque de la subasta de Christie's por $ 10 (USD) por la pintura. El trabajo temprano incluye el arte de la cubierta para un álbum de Boogie Down Productions titulado Sex and Violence.

En 2002, Cope2 proporcionó las ilustraciones para la bomba de Adam Bhala Lough el sistema, incluyendo la pieza infame en el puente de Brooklyn. Se puede ver en los DVDs detrás de la escena de imágenes de una de las piezas al final de la película.

En 2003, el libro de Cope2 titulado Cope2: True Legend fue publicado por Righters.com.

En 2005, Cope2 colaboró ​​con y diseñó un par de zapatillas de deporte para Converse bajo la "Chuck Taylor All-Stars" línea.

También en 2005, la revista Time encargó a Cope2, por $ 20 (USD), pintar un anuncio publicitario en el distrito SoHo de Manhattan, Nueva York en Houston y Wooster. El anuncio representa la cubierta de las revistas con las etiquetas del graffiti garabateadas sobre ella; El texto lee "Post-Modernismo? Neo-Expresionismo? Tiempo. Saber por qué". [7] En 2006, Cope2 apareció en el juego de Marc Ecko, Marc Ecko Getting Up: Contents Under Pressure. Él figura como una de las "leyendas del graffiti" que da el consejo del protagonista en el mundo del graffiti. Su "vomitar" es también ampliamente reconocible durante todo el juego. Cope2 "vomitar" también ha tenido apariciones en otras producciones de medios. Ha aparecido en las paredes del videojuego GTA IV y en la película Shrek The Third, entre otras.

En 2008 Cope2 colaboró ​​con Adidas y Footlocker para lanzar una colección de ropa y accesorios en Europa. La colección incluyó gorras de béisbol, chaquetas, camisetas, suéteres, cinturones y zapatillas de deporte.

En 2009, Cope2 colaboró ​​con la primera instalación de escalada en roca de Brooklyn, Brooklyn Boulders, y creó gran parte del graffiti en sus paredes.

En 2010, Cope2 apareció en un episodio de LA Ink.

En 2011, Cope2 fue en el techo de lo que solía ser Seward Park High School y hizo graffiti en dos de las paredes.

Durante la última década Cope2 ha aparecido numerosas veces en Videograf Producción producido videos Videograf Issue 6, 9 y OverSpray 1.0.

No se puede mostrar más información acerca de su trayectoria en el mundo del graffitis, ya que su ambición por el dinero lo hizo entrar en el mundo del narcotráfico y fué detenido y golpeado por la policía.






Keit Haring

Keith Haring, desaparecido grafitero americano empezó su andadura como grafitero en los años 1980, dibujando con rotulador sus míticas siluetas sobre los anuncios en el metro de Nueva York.

Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Como es habitual en su profesión, fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública.

La iconografía que usaba era bastante surrealista, una serie de estrambóticos personajes y de elementos sexuales junto a platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando; a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear.

El tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. Otro tema que también se destaca en su obra es su lucha contra el sida, enfermedad de la cual murió. Lo plasmaba en su obra a través de un símbolo con forma de triángulo rosa sobre un grupo de personas que se tapan los ojos, la boca y los oídos como representación del silencio de los medios de comunicación acerca de la temática.

Keith fue catapultado al reconocimiento nacional por los medios de comunicación, esto le permitió cruzar barreras naciones y sociales, la voz de la nueva generación. Andy Warhol se interesó por su trabajo e incluso en 1986 introdujo a Keith al mundo del arte comercial, siendo comisionado para realizar la publicidad de Absolut Vodka, una estrategia para obtener una mayor audiencia. También Keith colaboró con 900 niños para crear una valla conmemorando los 100 años de la libertad, él los animó para que plasmaran sus propias ideas e interpretaciones acerca de la libertad.